[2] Diese waren in Ihrem Klang noch recht . . . → Read More: Die Entwicklung und Entstehung Elektronischer Musik und elektronischer Klangerzeuger bis zum Synthesizer und Musikcomputer]]> Bereits ab Mitte des 19. Jh. wurden erste Elektro- Mechanische Klangerzeuger entwickelt. Die Erkenntnisse aus der Kommunikationstechnik übten dabei einen maßgeblichen Einfluss aus.[1] So entstanden zu Beginn des 20. Jh. erste, auf elektronische Weise funktionierende, Geräte.

[2] Diese waren in Ihrem Klang noch recht eingeschränkt und wurden weitestgehend nicht über ihr Entwicklungsstadium hinaus vollendet. Folglich fanden sie in der Öffentlichkeit kaum Bedeutung. Es gibt daher wenig Informationen oder gar Klangbeispiele solch früher Apparate. Das erste bedeutsame elektronische Instrument war das Ätherophon, das später nach seinem Erfinder in Theremin umbenannt wurde. Leon T. stellte es im Jahr 1919 fertig. Zu seiner Popularität trugen neben klanglichen Aspekten vor allem seine imposante Bedienweise bei.

Elektrische Musikinstrumente

Bis zum Ende der 40er Jahre wurden im allgemeinen Verständnis sämtliche Instrumente, bei denen in irgendeiner Art und Weise Strom zum Einsatz kam, als „elektrische Musikinstrumente“ zusammengefasst. Ganz egal ob es sich dabei um elektro-akustische, elektro-mechanische, elektromagnetisch-mechanisch-akustische oder um elektronische Instrumente, nebst diverser Mischformen, handelte. Die resultierende Musik solcher Klangerzeuger wurde demnach als „elektrische Musik“ bezeichnet. [3] Die Schwingungserzeugung geschah hier bis auf erste „echt- elektronische“ Instrumente noch weitestgehend mechanisch, z.B. durch Saiten oder Zungen. Diese nicht elektronisch erzeugten Schwingungen wurden also lediglich mittels elektrostatischer, elektromagnetischer oder lichtelektrischer Tonabnehmer in elektrische Schwingungen gewandelt und anschließend elektroakustisch verstärkt. Ein anschauliches Beispiel hierfür ist die E-Gitarre, die um 1930 entwickelt wurde.[4]

Erste Elektronische Musik

Wahrscheinlich verzögert durch den zweiten Weltkrieg, fiel im Jahr 1948 zum ersten Mal im deutschen Sprachraum der Begriff: „Elektronische Musik“(E. M.).[5] Als Wortschöpfer gilt Werner Meyer-Eppler. Dieser definiert in seinem Buch von 1948 mit dem Titel: „Elektronische Musik“ ebenso als einer der ersten diese „Neue Musik“. Für Stockhausen existiert die E.M. hingegen erst seid 1953. Vermutlich deshalb, weil er in diesem Jahr sein erstes Stück veröffentlichte.

Nach Meyer- Epplers verfassten Worten gehören hierzu Instrumente, die auf rein elektronischer Klangerzeugung basieren und bei denen akustische Aspekte währen der eigentlichen Klangentstehung gänzlich ausgelassen werden. Die bloße Beteiligung von „Strom“ ist also nicht für elektronische Musikinstrumente begründend. Bei fast jeder Musik kommt heutzutage Elektrizität zum Einsatz. Dies gilt sowohl für die Produktion als auch für die Reproduktion.[6] Ein Elektronisches Musikinstrument ist also ein Klangerzeuger, bei dem Schwingungen mithilfe von elektrischen Signalgeneratoren erzeugt und diese über Lautsprecher wiedergegeben werden.

Auch das Tonbandgerät kann in diesem Zusammenhang als ein wichtiges musikalisches Hilfsmittel und darüber hinaus im weiteren Sinne als Instrument betrachtet werden, wobei eine ursächlich elektronisch Signalerzeugung nicht garantiert werden kann. Von Klangerzeugung kann beim Tonband jedoch insbesondere dann ausgegangen werden, wenn aufgenommene Signale durch Änderungen der Bandgeschwindigkeit oder der -laufrichtung zu neuen Sounds manipuliert werden.

Die ersten Synthesizer

Mit dem Synthesizer wurde ab 1964 das bedeutendste elektronische Instrument durch Robert A. Moog geschaffen. Er stellte erste Geräte mit der Technik der Spannungssteuerung her, die alle vorher existierenden Studioinstrumente in den Schatten stellten. Die Variationsbreite zur Klangformung eines eingegebenen Grundtones ist bei diesem Instrument gewaltig. Neben der Teiltonzusammenstellung sind hier auch die Hüllkurven der klangfarbenbildenen Ein- und Ausschwingvorgänge wählbar.[7] Die Klangfarbe weiterer Synthesizerentwicklungen wird zunehmend variabler. Damit ist die bereits erwähnte Beschränktheit, sowie die starren unformbaren Klänge, die Buisoni durch die herkömmlichen Musikinstrumente sah, mit diesen Neuerungen der Elektronischen Musik weitestgehend aufgehoben. Sie ist zumindest nicht mehr materiell im Klangerzeuger bzw. Instrument selbst begründet. Anstelle der Instrumente setzen nun eher die Intuition und der Verstand die Grenze des Möglichen. Nicht zu vernachlässigen ist in diesem Zusammenhang die Imagination.

Elektronische Musik mit dem Computer

Mit immer leistungsfähigeren Computern gewinnen auch diese im Zusammenhang mit E.M. zunehmend an Bedeutung und schaffen den Sprung aus dem reinen Experimentierstudio. Mitte der 80er Jahre begann daher in der Musik eine radikale Digitalisierung. Der Begriff „Computermusik“ hat in diesem Zusammenhang wenig mit der Klangerzeugung durch einen Rechner zu tun. Denn die meisten programmierten Algorithmen simulieren überwiegend analoge Geräte. Bis heute können manch nicht- Lineare Verzerrungen nicht identisch analogen Vorbildern simuliert werden. Die digitale Aufarbeitung des alt-analogen ist immer noch Gegenstand der Programmierkunst. Ob also eine Frequenzmodulation analog entsteht oder digital simuliert wird ist nach meinem Verständnis nicht sonderlich relevant. Abgesehen hiervon bleiben klangliche Aspekten unter ästhetischen Gesichtspunkten. Ein mit entsprechender Hard- und Software ausgestatteter „Elektronenrechner“ ist folglich als vollwertiges Elektronisches Musikinstrument anzusehen. Hier vollzieht sich allenfalls der Übergang von nichtlinearen Differentialgleichungen auf lineare oder nichtlineare Differenzialgleichungen. Der Unterschied wird mit steigender Abtastrate beliebig klein.[8]

Mit der „Computermusik“ werden auch Computereigene Kompositionen verbunden. Diese Techniken knüpfen an die frühen Komponiermaschinen ähnlich Winkels „Componium (Amsterdam 1821) an.[9] Die Ergebnisse solcher Ideen haben jedoch kaum Bedeutung. Es macht wenig Sinn, musikalische Entscheidungen mit emotionaler Relevanz auf Maschinen zu übertragen. Dazu bedarf es eines ausgereiften neuronalen Netzwerkes und dieses ist weitestgehend bislang uns Menschen vorenthalten.

Heutzutage spielen Prozessoren (DSP`s) also in weiten Bereichen der Klang- und Musikwelt eine tragende Rolle. Dies ist in den drei Bereichen: Komposition (partitursynthese), Klangerzeugung (durch Simulation), und Klangsteuerung, von maßgeblicher Bedeutung.

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Arial;”>[10] Erst durch den Computer wurden besonders komplexe Klangfarbensteuerungen und Eingriffe durch Synthesetechniken sowie Transformationen umsetzbar. Dementsprechend lassen sich heute durch eine präzise Digitalanalyse des auditiven Materials und der Beachtung physikalischer, physiologischer und psychologischer Aspekte in komplexer Wechselwirkung innerhalb eines Algorithmus sogar Anwendungen wie Time- Strechting, Pitch- Shifting, oder Formantverschiebungen umsetzen. Bei einer physisch- mechanischen Wiedergabe wären bspw. Tonhöhenänderungen bei konstanter Dauer eines Klanges nahezu unmöglich. Revolutionär ist auch ab dem Computerzeitalter das Setzen von Noten in einer Sequenzersoftware oder einem Notationsprogramm. So kann eine Partitur bereits während der Entstehung bzw. Programmierung in „Echtzeit“, durch ein simuliertes Orchester, akustisch dargestellt werden.

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Techno entwickelte sich in Detroit aus Jazz- und Souleinflüssen mit einem „housigem“ Beat. 1972 landet Gorge Kinsley mit “Popcorn” den ersten Hit, der schon ähnlich wie Kraftwerk, fast völlig auf elektronischer Klangerzeugung basiert. Unangefochten gilt jedoch die deutsche Gruppe “Kraftwerk” als Begründer des Techno. . . . → Read More: Friede, Freude, Eierkuchen – Die Entwicklung & Entstehung des Techno]]> Die ersten Entwicklungen bei der Entstehung der techno Musik…

Techno entwickelte sich in Detroit aus Jazz- und Souleinflüssen mit einem „housigem“ Beat. 1972 landet Gorge Kinsley mit “Popcorn” den ersten Hit, der schon ähnlich wie Kraftwerk, fast völlig auf elektronischer Klangerzeugung basiert. Unangefochten gilt jedoch die deutsche Gruppe “Kraftwerk” als Begründer des Techno.
1975 bringen sie bereits ihr viertes Album “Autobahn” auf den Markt. Dieses Album schafft es sogar in die Amerikanischen Hitlisten. Von nun an soll es viele Musiker inspirieren und zu eigenen neuen Ansätzen bewegen. Die Welle des Synth-Pop läuft an.Brian Eno, der zuvor bei “Roxy Music” tätig war gründet 1975 das “Obscure Records” Label, welches sich auf “Ambient Music” spezialisierte. Ein Jahr später veröffentlicht Jean-Michel Jarre sein Meisterwerk “Oxygéne”. Dieses Erfolgsalbum schlägt wie eine Bombe ein und verkauft sich über acht Millionen Mal. 1977 bringt Giogio Moroder, Erfolgsproduzent aus München, die Sängerin Donna Summer unter Vertrag. Er produziert mit ihr den Hit “I Feel Love”. Zeitgleich in diesem Jahre produzierten auch “Kraftwerk” ihr neues Album “Menschmaschine”. Bei diesem Titel ist die Besonderheit bzw. Gleichstellung zwischen Mensch und Maschine unverkennlich. “Moroder” und “Kraftwerk” bildeten zu dieser Zeit die Szene. In den 80er Jahren mutiert “Synth-Pop” mehr und mehr zu „House-Music“. Obwohl Disco-Music in den Staaten bereits für tot erklärt wurde, lebte sie ab 1980 im schwarzen Gay-Underground von Chicago und New York weiter. Entscheidend hierfür sind zwei legendäre Discos. In New York befindet sich zum einen das “Paradise Garage”, in dem DJ Larry Levan nächtelang Underground-Klassiker auflegt. Hier entsteht auch der Stil “GarageDisco”, der später zu “Garage House” wird. Zur gleichen Zeit legt zum anderen im Warehouse in Chicago DJ Frankie Knuckles von Samstags abends bis Sonntags mittags seine Platten von Disco bis Euro-Importen auf. 1984 wurde in Frankfurt die Diskothek “Technoclub” eröffnet. Es war die erste Disco, die deutschlandweit nur elektronische Musik spielte. 1985 entstand das Kultlabel “Trax Records”. Im folgenden Jahr entstand eine neue Variante der Technomusik, “Acid-House”. Die Macher dieses neuen Trends sind “Phuture”, die auch auf dem Lable “Trax Records” ihre “Acid Tracks” herausbringen. Kurze Zeit später wurde von “Finger´s Inc.” ein weiterer Stil eingeführt, der sog. “DeepHouse”. Dieser Style zeichnet sich durch eine Vielzahl jazziger Elemente und durch gesampelte Vocals aus. Weiterhin erlangten “Steve ‚Silk‘ Hurley” mit seinem Riesenhit “Jack your Body” und in Deutschland der Produzent “Sven Väth” mit “Elektrica Salsa” höhere Popularität. Dieser Track wurde zu einem Clubhit inganz Europa. Im Untergrund fanden nun stetige Entwicklungen statt.Ab Mitte der 90er Jahre wurde Techno zunehmend kommerzieller. In dieser Zeit verschwand er aus Amerika und kam fast vollständig nach Deutschland und Europa. So landeten auch die ersten amerikanischen House Platten in den Regalen der deutschen Läden. Bereits 1990 wurden die deutschen Plattengeschäfte mit elektronischen Produktionen überschwemmt. Jede Woche erschienen immer mehr Neuheiten in den Bereichen New Beat, Acid, House und Techno.

Von nun an waren achtstündige Dj-Sets ohne Wiederholungen keine Seltenheit mehr. Mit Westbam in Berlin und Dj Talla in Frankfurt entstand eine neue Dj Szene.
Im Juli 1989, vier Monate vor dem Fall der Mauer, hatten Dr.Motte und Dj Kid Paul die verrückte Idee, einen Lastwagen zu mieten. Dieser wurde mit einer Anlage bestückt, um so auf dem Kurfürstendamm auf und ab zu fahren. Das sprach sich schnell herum und man sah vier Stunden lang einhundertfünfzig Raver hinter dem Wagen durch die Stadt tanzen. Die Loveparade war geboren. Das Motto lautete (eindeutig von Hippiezeiten inspiriert):Peace, Love, Unity & Respect For Another. Die Love Parade wurde neben der Mayday zum größten Technoevent.
Vor allem am 9.November 1989 mit dem Fall der Berliner Mauer wurde Techno zum Soundtrack des wiedervereinigten Deutschland. Der Berliner DJ und Produzent „Westbam“ glänzt auf Tanzveranstaltungen durch seine Non-Stop-Music. Er mischt Disco und Soulplatten auf unbegreifliche Weise zusammen, sodass aus verschiedensten Stücken ein endloses Meisterwerk wird.
In diesem Jahr versucht er die erste Berliner House-Party zu organisieren. Von der „High-Energy-Schwulenszene“ vielleicht abgesehen, hatte Berlin zu dieser Zeit noch keinen reellen Dance-Untergrund. Aber dieser entwickelte sich in Berlin rascher, als in jeder anderen deutschen Stadt. Die erste Mayday fand Im Dezember 1991 statt. Schon damals waren Marusha, Sven Väth etc. dabei. 1995 wurde die Mayday zum Mega-Event.
Techno dient immer noch als Oberbegriff der der vielen Stile elektronischer Musik. Der massenhafte Zulauf begründet sich, weil:- die Toleranz in Kleidung, Verhalten und Denken sehr groß ist
– keine einschränkenden Regeln vorhanden sind und der Sound Massenkompatibel ist, er ist meist für die Menge konzipiert
– man diese Musik sehr intensiv wahrnimmt, besonders im Club
-es keinen vorgeschriebenen oder idealen Tanzstil gibt, wie in anderen Musikrichtungen. Man lässt sich von der Musik leiten und jeder verleiht diesem so seine individuelle Note. Die wichtigsten Stile der Technomusik: * “Synth-Pop” “Synth-Pop” ist die wohl erste elektronische Musik. Von harten Bass-schlägen in monoton gleich bleibendem Takt, wie man es von heutiger Technomusikgewöhnt ist, kann hier noch keineswegs die Rede sein. Vielmehr handelt es sich dabei um einen Pop-Rhythmus, der mit den ersten Synthesizerklängen übermalt ist. Wie es der Name bereits sagt. Den ersten Synthesizerhit landete George Kingsley mit dem Lied “Popcorn” im Jahre 1972. *“Acid” “Acid” ist auch nur wieder ein Oberbegriff für zahlreiche Untergeordnete Stile, wie “Acid-House” oder “Acid-Trance”. Charakteristisch für “Acid” sind die quietschenden Sounds des “Roland TB 303” Synthesizers, welcher für die Produktion eines “Acid”-Tracks unumgänglich ist. Einst wurde dieser Synthesizer für die Unterstützung von Gitarrenmusik entwickelt, fand bei dessen Anhängern jedoch nicht viel Anklang und hatte nach zufälliger Entdeckung zweier Technoproduzenten aus Chicago seinen festen Platz in der “Acid”-Szene. Der Beat bleibt bei dieser Stilart eher langsam und zurückhaltend. Hörbar werden diese “Acid”-Geräusche zum Beispiel auf den ersten Platten von Prodigy. * “House”
“House” ist die wohl populärste Stilart von Techno. Die Hauptelemente sind groovige Hihats und Claps. Die Geschwindigkeiten der Housemusic liegt bei ca. 100 bis 130 bpm. Wie auch bei den meisten anderen Stilarten haben sich bei der Housemusic verschiedenste Styles entwickelt. So zum Beispiel “Vocal House”. Hier wird meistens aus älteren Soulstücken Gesang gesampelt. Eine der ersten Formen der Housemusic ist “Detroit House”, welcher etwas dumpfer und schneller klingt. Sobald “House” mit mehreren Percussion-Instrumenten versehen wird, nennt man ihn “Harthouse”. * “Jungle” “Jungle” ist der für London typische Musikstil. Duke Ellington führte diesen ein, indem errasant rückwärts laufende “Jazz-Drum-Patterns” mit “Hip-Hop Drumloops” kreuzte und dies mithochgepitchten “Reggae-Grooves” übermalte. Jungle ist mit 140 – 160 bpm der bisher schnellste Rhythmus aus England. * “Drum & Bass” “Drum & Bass” ist mehr oder weniger ein Produkt der “Jungle”-Musik, obwohl es in derGeschwindigkeit deutlich langsamer ist. Nicht nur aus diesem Grund, sondern auch wegen der oft eingebauten jazzigen Elementen ist es eine eher leichte und ruhige Musik. Das gewirbelte Schlagwerk mit Betonung auf der ersten und viereinhalbten Zählzeit und die geschleiften Drumloopssorgen für den bei “Drum & Bass” typischen Breakbeat. “Drum & Bass” entstand genau wie “Jungle” in London. Die genauere Geburtsstätte ist das “Blue Note”, eine Discothek im Londoner Zentrum, welches die Residenz der “Metalheadz” ist. “Metalheadz” ist das wohl bekannteste “Drum & Bass” Label. Es wurde vom Londoner DJ “Goldie” gegründet. Die deutschen “Drum & Bass” Zentren sind Mannheim, Köln und Berlin. * “Trance” “Trance” ist eine Mischung aus langsamen Beats, ca. 120 bpm, und monotonen, sich durchgehendwiederholenden Elementen von “Ambient” Geräuschen und Synthesizer-Sounds. Der Beat ist gradlinig und nicht gebrochen. Das Charakteristischste an “Trance-” Musik sind die weichen und durchgehenden Flächen, die den Hörer zum “Abheben” bringen. Aus diesem Grund ist “Trance”-Musik neben “Ambient” auch die in den “Chill-Out-Areas” (Entspannungsräume auf Technoparties) am meisten gespielte Musik. * “Gabber”
“Gabber” ist der “Speed-Metal” der Technoszene. Mit 180-500 bpm ist “Gabber” die schnellste aller Technoarten. Holländischer “Speed-Gabber” geht an die Grenzen des erträglichen. Selbstverständlich gibt es auch langsamere Arten von “Gabber”, was dann wiederum “Happy Hardcore”genannt wird, und mit 160 bpm und aufwärts schon “leichter” tanzbar ist. * “Goa”
“Psychodelic Goa Trance”, wie es auch genannt wird, hat seinen Ursprung in der indischen ProvinzGoa. Sven Väth war es, der aus seinem jährlichen Urlaub in Goa diesen Sound mitbrachte und der “Hardcore”-Szene in Europa entgegen setzte. Sein Album “Accident in Paradise” definiert diesen Sound. * “Dub”
“Dub” ist moderner, clubtauglicher, elektronischer “Space-Reaggae”. Entstanden ist “Dub” auf Jamaika, als die dort ansässigen MCs die “B-Sides” ihrer Platten, auf denen die Stücke der “A-Sides” instrumental aufgenommen wurden, im Studio remixten. Die für “Dub” typische Form des Remixen ist der hintereinander gekoppelte Einsatz verschiedener Effekte, hauptsächlich Echo,Delay und Hall. * “Minimal”
Als Minimal Techno bezeichnet man eine moderne Stilrichtung des Techno, die sich durch minimalistische Arrangements auszeichnet.Es ist im wesentlichen eine experimentelle Weiterentwicklung des traditionellen Techno aus Detroit. Meist bestehen die Minimal-Techno-Tracks nur aus den typischen Four-To-The Floor Drums (klassisch hierfür die Sounds des Drumcomputers TR 909), Synth-Bass und Effekten. Es wird mit einzelnen Klängen, Klangvariationen und Unregelmäßigkeiten in der sonst monotonen Struktur der Komposition experimentiert. Oft werden überraschende Effekte oder fragmentierte Melodien eingestreut. Grundsätzlich ist Minimal Techno dennoch atonal * , es gibt aber einige Ausnahmen.Durch die eher niedrige Geschwindigkeit und die starke Monotonie kann diese Musik sehr hypnotisch wirken und wird sowohl auf der Tanzfläche, als auch im Chill Out -Floor gespielt. (Atonal)* : Atonale Musik oder Atonalität bezeichnet allgemein eine Musik, deren Harmonik und Melodik nicht auf ein tonales Zentrum bzw. einen Grundton fixiert ist. Eines ist sicher: Technomusik ist die Musik unserer Zeit und weniger vergleichbar mit vergangenen Musiktrends , als je ein Musikstil zuvor.Deshalb ist es schwer zu glauben, dass selbst die Technomusik ihren Standpunkt der Weiterentwicklung vorheriger Musiktrends verdankt. Autor: Sebastian Plössner http://www.myspace.com/sebastianploessner

Matthew Herbert

Neben vielen eigenen Produktionen gilt Matthew Herbert als ein besonders kreativer Produzent und einer der bedeutendsten Sample- Künstler der Gegenwart. Er ist genreübergreifend im Jazz, Pop und besonders im elektronisch-experimentellen . . . → Read More: Matthew Herbert vers. Timo Maas]]> Matthew Herbert und Timo Maas sind zwei Produzenten der Besonderen Art. Beide sind Ihrer Zeit Voraus und haben ihren eigenen Stil entwickelt!!

Matthew Herbert

Neben vielen eigenen Produktionen gilt Matthew Herbert als ein besonders kreativer Produzent und einer der bedeutendsten Sample- Künstler der Gegenwart. Er ist genreübergreifend im Jazz, Pop und besonders im elektronisch-experimentellen Musikbereich aktiv. So mischte er beispielsweise für zahlreiche Künstler, einschließlich R.E.M., Perry Farrel, Serge Gainsbourg, Yoko Ono, Björk und John Cale. Weiterhin unterstützt Matthew Herbert, als Produzent, die ex Moloko Sängerin Róisín Murphy bei Ihrem Debut Album „Ruby Blue“, welches ich bei meinem Vergleich von Matthew Herberts mit dem Produzenten Timo Maas heranziehe. Weiterhin analysiere ich den Track „Celebrity“ von Herberts letztem Album „Plat du Jour“.

Matthew Herberts musikalische Laufbahn begann schon im frühen Alter von vier Jahren, als er Unterricht in Klavier und Violine bekam. Diesen setzte er bis zum Beginn seines Studiums der Theaterwissenschaften fort. Zudem wirkte er in vielen Orchestern und auch im Schülerchor mit.

Mit 13 Jahren spielte er als Keyboarder in verschiedenen Bands. Besonders beeinflusst wurde er durch seinen damaligen Musiklehrer Pete Stollery. Dieser gab der frühen elektronischen Musik von Xenakis und Stockhausen, ebenso wie der Jazzmusik und der Klassik die gleiche Gewichtung.

Matthew Herbert kam schon früh mit der Audiotechnik in Kontakt, da sein Vater als Tontechniker beim Radiosender BBC beschäftigt war. Seine Eltern erkannten Herberts Begeisterung für Musik und Technik und unterstützen ihn. So konnte er sich bereits zu Beginn seiner akademischen Laufbahn ein kleines Tonstudio einrichten.

Herbert ist weiterhin sehr umweltbewusst. So verzichtet er in seinen Reisen durch Europa vollkommen auf das Flugzeug und nutzt ausschließlich die Bahn. Von Musik und musikalischer Bearbeitung, sowie der Produktion, hat er eine einzigartige Philosophie entwickelt. Diese veröffentlichte Herbert als sein Manifest, welches im Internet auf der Seite: www.matthewherbert.co.uk. nachzulesen ist.

Hierin bekennt er sich zu seinem bisherigen Schaffen, dass auf folgenden Festlegungen beruht:

• Er ist gegen das Klauen von bestehender Musik; Samples sollen neues Material enthalten
• Er untersagt die Verwendung von Drumcomputern und lehnt Presetsounds von Synthesizern grundsätzlich ab
• Fehler sind Musik. Fehler und Zufälle sollen integriert werden, sofern dies in den Musikalischen Kontext passt; Sie sind das Einzige, was den Menschen noch von der Maschine unterscheidbar macht
• 2005 erweiterte Herbert sein Manifest mit der Festlegung, dass Musik zu einem gewissen Thema auch nur mit themenverwandten Geräuschen erstellt werden darf.

In den Alben „Bodily Functions“ und „Plat du Jour“ hielt er sich strikt an dieses Manifest.

Als Remixer hat er für viele Producer neue Songkreationen erstellt, u. a. für Björk, Sven Väth und viele andere. Hier hat Herbert eine eigene Philosophie. So darf seiner Meinung nach in einem Remix eines Stückes nur Songeigenes oder neues Material verwendet werden.

Matthew Herbert lehnt Aufträge für Werbemusik prinzipiell ab. Neben seinen, auf der Samplekunst basierenden, Produktionen hat er immer noch Zeit für die Komposition und Produktion von Filmmusik gefunden.

Das Mischen hat sich Matthew Herbert selbst beigebracht und er lernt jedes Mal dazu. <!–[if !supportFootnotes]–>[1]<!–[endif]–> Weiterhin arbeitet er gerne mit anderen Produzenten zusammen, was für ihn immer wieder eine produktionstechnische Bereicherung darstellt. Seine grundsätzliche Arbeitsweise besteht darin, Geräusche aufzunehmen, daraus Samples zu erzeugen und dann mit diesem Klangmaterial Musik zu erschaffen. Der Bereich der elektronischen Klangerzeugung mit Synthesizern ist für Ihn nicht mehr bedeutsam, da dieser Bereich seiner Meinung nach ausgereizt ist.

So sucht er in der Rhythmus- und Soundkomposition mit gesampeltem und neuem Klangmaterial eine neue Herausforderung. Herbert ist gegen absolute Sterilität in seinen Werken. Er benutzt daher keine Gesangskabine oder einen speziellen Aufnahmeraum. Grundsätzlich nimmt er Vokals in der Regie direkt neben den Monitorlautsprechern auf. Sollten Störgeräusche mit auf die Aufnahme gekommen sein, so gehört dies automatisch mit zu der Produktion. Diese Fehler betrachtet er als musikalisch. Wenn im Moment der Aufnahme die Tür aufgeht, so gehört dies unmittelbar zur Aufnahmesituation dazu und hat die volle Daseinsberechtigung. <!–[if !supportFootnotes]–>[2]<!–[endif]–> Für ihn ist der Zufall sehr bedeutsam. So hat er, wie eben dargestellt, seinen ganz persönlichen und einzigartigen Stil gefunden. Zu Beginn seiner Karriere als Produzent hat er ein einziges Mal versucht, tanzbare Dance-Musik im kommerziellen Bereich zu produzieren. Daraus wurde jedoch ein Flop. Aus dem Versuch, das „schnelle Geld“ durch kommerzielle Dance-Musik zu machen hat er Miese gemacht. Heute zählt diese Erfahrung zu den wichtigsten Lektionen seines Lebens.<!–[if !supportFootnotes]–>[3]<!–[endif]–> Matthew Herberts Musik zählt zur IDM, „Intelligent Dance Musik“. Dabei lässt er Elemente der Bereiche House, Jazz und minimalistischer Musik in seine Produktionen einfließen. Die Stücke, die von Matthew Herberts Big Band kommen, sind sehr jazzig und können dem Nu-Jazz zugeordnet werden. Herbert nahm unter anderem auch schon Tracks mit seiner Big Band in den Abbey Roads Studios auf. Er möchte dazu beitragen, dass sich IDM von ihrem Proletendasein löst. Seine „Intelligent Dance Musik“ soll mehr zum bewussten Zuhören als zum Tanzen einladen. Bei seinen live Auftritten als „Radioboy“, „Matthew Herbert Big Band“ oder auch „Matthew Herbert“ benutzt er diverse Gegenstände wie Chipstüten, Coladosen und so weiter. Daraus generiert er in seinen live Recording Loops.

Je nach Art der erstellten Musik kommen seine diversen Pseudonyme zum Einsatz. Für warme Musik gebraucht er seinen eigenen Namen. Wird sie härter und knartziger, so werden diese Titel unter „Wishmountain“, „Radioboy“ oder „Doktor Rockit“ veröffentlicht.

• Herbert
  • House
• Doctor Rockit
  • Elektro Jazz
• Matthew Herbert Big Band
  • Swing
• Radio Boy bzw. Wishmountain
  • Techno
• Matthew Herbert
  • Pop

Sobald ein Titel bzw. Album veröffentlicht wird, hat er, nach eigener Aussage, keine Kontrolle mehr darüber wer seine Musik hört oder zu welchem Anlass sie benutz wird. Daher ist es dem Perfektionisten hier schlichtweg egal, ob seine Musik bewusst gehört wird oder nur als Hintergrundmusik fungiert. Aus diesem Grund feilt er bis kurz vor der Veröffentlichung perfektionistisch an seinen Nummern.

Matthew experimentiert viel mit Mikrofonen. So kam er während einer Live -Performance auf die Idee, gerade produzierte Geräusche aufzunehmen und diese in einer Schleife laufen zu lassen und zu bearbeiten bzw. zu verfremden. Bei seiner Tätigkeit als DJ schätzt er das Auflegen mit Vinyl besonders wegen der Rückkopplungen tiefer Basstöne mit der Systemnadel. Bei der Verwendung von digitalen Systemen bleibt dieser Effekt aus.

Bedeutende Werke von Matthew Herbert (Auszug):

Goodbye Swingtime

Dieses Album zählt zu der etwas leichteren Kost von Herberts Musiken. Hier verbindet er seine Samplekunst mit einer Big-Band.

Bodily Functions

Dieses Album veröffentlichte er zusammen mit seinem Manifest. Die Musik ist dem Bereich Clubjazz zuzuordnen. Hier wird eine Parallele zwischen Herberts Herangehensweise an Musik und dem Jazz deutlich, indem die Fehler und Zufälle, in Form von Improvisationen, die Musik ausmachen. Die gesampelten Geräusche sind allesamt Töne von Menschenkörpern. Die Kompositionen erinnern an die „Musique concret“.

Plat du Jour

Das Thema dieses Albums sind Nahrungsmittel. Gemäß seiner Erweiterung des eigenen Manifests im Jahr 2005 bediente sich Herbert daher nur an Geräuschen, die unmittelbar mit Nahrungsmitteln zu tun haben. Er setzt hier seine Musik zur Bewusstmachung politischer und ökonomischer Missstände ein. Er zeigt die mangelnde Qualität und die Probleme auf, die mit der industriellen Produktionsweise von Nahrungsmitteln einhergehen. Insgesamt stecken in diesem Album 2 Jahre Recherche und Samplearbeit, sowie 6 Monate Studioarbeit.

The Mechanics of Destruction

Die Geräusche dieses Albums entstanden bei der Zerstörung von Produkten, was von der Organisation „Attac“ und von Naomi Klein stark kritisiert wurde. Alle Tracks dieses Albums können kostenlos aus dem Internet unter folgender Adresse heruntergeladen werden: http://themechanicsofdestruction.com/

Score

Auf diesem Album veröffentlichte Herbert seine bis dato meist unveröffentlichten Werke, die er für Independent Filme produzierte. Es sind die Soundracks der Filmmusiken von 1996 – 2006.

Scale

Hier zeigt Herbert, dass sich die Verbindung von anspruchsvolle Musik und Pop keinesfalls ausschließt.

Hier werden diverse Klangquellen wie bspw. Särge, Benzinpumpen oder ein Tornado der Royal Air Force verwendet. Die Drums wurden hierzu im Meer, in einem fahrenden Auto oder in einem fliegenden Heißluftballon aufgenommen.

Roísín Murphy – Ruby Blue

Dieses Debut Album von Roísín Murphy entstand in Zusammenarbeit mit Matthew Herbert als Produzent in relativ kurzer Zeit. So waren die ersten 5 Songs bereits nach sechs Tagen geschrieben. Für diese Platte verwendete Matthew Herbert viele Geräuschaufnahmen. <!–[if !supportFootnotes]–>[4]<!–[endif]–> Auf das Lied „If we`re in Love“ dieses Albums werde ich in meiner folgenden Analyse noch gesondert eingehen. Als Roísín Murphy auf Herbert traf, dachte sie, er sei ein Spinner. Sie sollte zur Produktion mehrere Gegenstände zur Klangerzeugung mitbringen. Ihre erste Aufgabe war es, mit ihrem Notizbuch gegen das Mikrofon zu hauen. Hieraus erstellte Matthew Herbert die Beats. Doch schnell erkannte sie die Kreativität und die Besonderheit dieses Produzenten. <!–[if !supportFootnotes]–>[5]<!–[endif]–>

Timo Maas

Timo Maas begann 1983 mit 13 Jahren seine Karriere als DJ. Zugunsten seiner musikalischen Tätigkeiten gab er seinen Beruf als Kommunikationselektroniker im Jahr 1993 auf, um sich fortan vollständig seiner Musik widmen zu können. 1995 fing er an, viele Titel in den Bereichen Club, House, Progressive und Hardtrance zu produzieren. Hier startete damit auch seine Remix- und Produzentenkarriere.

Maas veröffentlichte unter diversen Pseudonymen wie Dakota Harris, Airpack 2, Mad Dogs, Orinoko und Klubkraft seine Stücke. Nach ersten größeren Erfolgen wie sein damaliger Track „Herdplatte 100°“ erlangte er mit Hits wie dem Track „Der Schieber“ großes Ansehen im Vinylgeschäft der Sparte Clubmusik.

Mit seinem Remix des Tracks „Dooms Night“ von Azzido da Bass erreichte er seinen internationalen Durchbruch. Er gewann damit den „German Dance Award“ in der Kategorie „Bester Remix“. Aufträge von Depeche Mode, Moby, Madonna, Kelis, Garbage, Fatboy Slim oder Placebo folgten.

Maas löste sich dabei stetig von seinen Wurzeln die in der Trancemusik lagen und erweiterte seinen musikalischen Horizont. Genregrenzen wurden zunehmend eingerissen. Maas verarbeitete in Remixen und eigenen Produktionen Einflüsse aus Rock, Pop und R`n`B. In seinen beiden Alben „Loud“ und „Pictures“ wird seine Philosophie besonders hörbar. Die Tracks sind groovige tanzbare Nummern, die einen hohen Grad an Verspieltheit aufweisen. Ein Track ist unterschiedlicher, als der andere. Die Alben gestalten sich sehr abwechslungsreich und lassen sich nur schwer unter einem einheitlichen Stil zusammenfassen.

Viel Unterstützung erhält Maas durch seinen Produktionspartner Martin Buttrich, welcher von ihm auch gern als sein Lieblingsinstrument bezeichnet wird. Martin Buttrich ist ein hochgradig versierter Techniker, der die qualitative Signalveredelung mit hochwertigem Equipment exzellent versteht und umzusetzen weiß. Er ist in diesem „Dreamteam“ für das Programming zuständig. Buttrichs Erfolgsanteil an Maas Produktionen beträgt nach seinen Aussagen mindestens die Hälfte.<!–[if !supportFootnotes]–>[6]<!–[endif]–> Buttrich erweißt sich bei der Umsetzung von Timos Produktionen als Perfektionist.

Maas legt in seinen Tracks eine besondere Gewichtung auf ein grooviges Fundament. Bei vielen Technoproduktionen vermisst er einfach „den Schmackes“.<!–[if !supportFootnotes]–>[7]<!–[endif]–>

Maas liebt es nach eigener Aussage Erwartungen gerade nicht zu erfüllen. Getreu dem Motto: „Expect the uneexpected“ .<!–[if !supportFootnotes]–>[8]<!–[endif]–>

Bedeutende Werke Timo Maas:

Neben etlichen eigenen Produktion, von Techno bis Pop, hat Timo Maas viele hochkarätige Remixe und zwei eigene Künstleralben namens „Loud „ und „Pictures“ umgesetzt.

Musik fort he Maases (Mix CD)

Dies ist eine Mix CD, in der zahlreiche Titel in sehr guter Qualität zusammengefügt wurden. Neben vielen anderen Titeln integriert Maas auch eigene Werke.

Connectet

Diese Mix CD entspricht dem klassisch englischem Mixing Stil. Die Trax sind gut aufeinander abgestimmt. Die Auswahl der Songs ist relativ technoid.

Enjoy The Silence & Personal Jesus

Timo Maas hat zwei der erfolgreichsten Lieder von Depeche Mode geremixt.

Timo Maas hat den Remixen eine neue Note gegeben, indem sie respektvoll mit dem Ausgangsmaterial umgegangen sind. Diese Herausforderung hat er mit Bravur gemeistert.

Loud (2002)

Das Album Loud war Timo Maas erstes Künstleralbum. Bereits hier dringt die musikalische Vielseitigkeit deutlich durch. Die Musik ist eine Mischung aus House, Techno und Big Beat. Das Album kommt dem Pop schon sehr nahe. Trotzdem ist es recht DJ orientiert. Die einzelnen Stücke weisen weitreichende musikalische Einflüsse und viele spielerische Elemente auf. „Loud“ ist sehr integrativ, Genregrenzen bestehen hier nicht mehr. Die bedeutendsten Tracks sind die Titel „To get down“ und „Ubik“.

Music fort he Maases 2

Dies ist eine anknüpfende CD der ersten Music for the Maases, die bereits seinen Hit Remix „Enjoy the Silence“ enthält.

Pictures(2005) – zweites Album

Mit seinem zweiten Album setzt Maas noch eins drauf. Es werden weiterhin Genregrenzen überwunden. Im Einzelnen kommen hier Elemente von Rock, Pop, Wave und sogar Hip-Hop vor, welche sich in Richtung Funk bewegen. Die elektronische Verbundenheit bleibt jedoch noch deutlich erhalten. Das ganze Album vermittelt eine etwas düstere Stimmung, die durch eine melodramatische Streichersektion hervorgerufen wird. Die subtilen Gitarren unterstützen zusätzlich diese Stimmung. Sehr gut gewählte Vokals liefern der Placebo Sänger Brian Molko, die Newcomerin Jo Kate und Hip-Hop Queen Kelis. Timo Maas konnte hier sehr passende Stimmen einsetzen. Als bedeutendste Songs gelten hier die Nummern First Day und Ur Ears. In seinem zweiten Album bleibt sich Maas konsequent seiner offenen Linie treu. Es ist die logische Fortsetzung von Loud.

Analyse und Vergleich ausgewählter Stücke

Matthew Herberts:

Celebrity des Albums „Plat du jour.“

Dieses Album ist das bisher experimentellste von Herbert. Auch hier schafft der Produzent Timbres und Klangoberflächen einzig und allein aus Geräuschen. Bereits zu Beginn vermittelt der Track eine Schräge Atmosphäre. Die Drums klingen sehr metallisch, was sich teilweise in der Verwendung diverser Verpackungsmaterialien begründet. Besonders die Snare hat einen ²dreckigen und ²trashigen² Klang.

Zu diesem Album existiert eine Webseite in der genau erklärt ist, wie die einzelnen Laute zustande kommen. In diesem Stück deutet er eine Songstruktur lediglich nur an. Der Song ist eine Mischung aus Pop, Jazz und Funk, mit einem vorhandenen Hitpotential. Durch die vielen Erstreflexionen des Raumes wirken die Vokals sehr kühl. Die Vokals werden besonders zum Ende hin mehrfach gedoppelt und lassen die Sängerin „Chorartig wirken“ Für die Hookline hat Herbert einen Modulationsartigen Pitsch-Effekt verwendet.

“If we´re in Love” des Albums Ruby Blue von Roísín Murphy

Das Stück bewegt sich stilistisch gekonnt zwischen Hoese Beats, Jazz und Big-Band- Sound.

Der Song ist besonders durch zahllose jazzige Rodes- Linien und Bläser geprägt. Es gibt kein straightes „Four on the Floor“ Schema.

Nach einem kurzen Intro von vier Takten, in dem nur der Bass und die Vokals vorhanden sind, setzt der Beat ein. Man hört hier deutlich Herberts Stil in Form von interessanten, nicht direkt zuordbaren Samples heraus. Die Snare spielt mit einem leichten Laid Back Feeling in jedem zweiten Schlag, was zu einem besonderen, funkartigen Groove führt. Die Bassdrum ist nicht gut ortbar und sehr subtil.

Anstelle von Hi –Hats kommen gesampelte Percussion Sounds zum Einsatz. Klänge von Hölzern unterstützen den gelungenen Groove. Das Programming des Tracks wirkt sehr geschuffelt. Die kurzen Klicks wurden durch ein Delay geschickt. Sie spielen eine Arpeggiator ähnliche Figur.

Sobald der Gesang durchgängig in Takt Neun einsetzt, kommt kurz darauf eine Rythmusgitarre hinzu. Die Die Vokals unterteilen sich in Main Vokals und Backings, die weiter nach Außen gepannt sind. Die Stimme wirkt bei mittelmäßigem Hall sehr intim. Die Atemgeräusche sind gut abgebildet, was die Intimität der Stimme weiter unterstützt. Dazu kommen jazzige viertel Voicings vom synthie. Dieser Sound ähnelt der Funktionsweise einer Gitarre, ist aber vom Klang sehr verschieden. Das Tremolo Roads doppelt die Gitarren Akkorde und fügt loungige Töne hinzu. Das Stück ist eine gute Mischung organischer und synthetischer Sounds.

Das Roads spielt eine groovige Melodie-Linie, die vom Bass gedoppelt wird.

Weiterhin ergänzt wird der Sound durch eine Sägezahn-Sequenz, die nach einem alten analogen Synthie klingt, etwa einem Mini-Moog. Das Arpeggio erfüllt die Funktion eines Padsound, der das Stück jedoch nicht zu sehr verdichtet. Die Blöser sind wiederum wie die Roades ein Teil des organischen Sounds. Scratsch-Effekte sorgen für die nötige Abwechslung und runden das Stück ab.

Werke Timo Maas:

First Day

Der Song First Day ist von Maas zweitem Album und war in den Charts am erfolgreichsten.

Der Track liegt einem popähnlichem Schema zu Grunde. Das Arrangement weist Dance-Strukturen auf. Alle 8 Takte verändert sich etwas. Zuerst kommt das Intro, welches nur aus Drums besteht. Die Bassdrum befindet sich auf den Zählzeiten 1, 2 + und 3. Die Snare wird danceklassisch auf der 2 und der 4 gespielt. Nach den ersten 8 Takten kommt der Bass hinzu.

Dieser wird sehr punktiert und perkussiv auf Achtelzählzeiten gespielt. Nach weiteren 8 Takten wird die Bassfigur zu einer durchgängigen Basslinie erweitert und zeitgleich setzt ein Synth Arpeggio ein. Wieder 8 Takte darauf kommen Vokals von Jo Kate hinzu. Diese sind in strophenartiger Form sehr passend und verleihen dem Track eine gewisse Erotik. Danach kommt die Hookline, die durch Placebo Sänger Brian Molko gesungen wird. Er ist hier besonders gut rauszuhören. Die einprägsame Hookline wird nun immer im Wechsel von 8 oder 16 Takten wiederholt. Anstelle von Hi-Hats verwendet Maas ein hochstimmiges 16-tel Arpeggio, dass unglaublich Tempo macht und den Groove unterstützt. Es setzt immer zeitgleich mit der Hookline ein.

Der Track kommt in seiner düsteren, nebeligen Stimmung sehr groovig rüber. Er ist treibend und regt zum Tanzen an.

Depeche Mode Remix- Enjoy the Silence

Das Stück enthält zwar noch original Elemente, aber an und für sich wird der Song komplett umgekrempelt. Aus der fröhlich lockeren wird eine eher düstere mystische Stimmung, welche trotzdem angenehm weich bleibt. Der Remix beginnt mit einem recht langen und sich langsam aufbauenden minimalen Intro. Zu Beginn ist nur die Bassdrum und ein snareartiges Event vorhanden. Es baut sich eine Hi-Hat Figur im Hintergrund auf. Nach einem reversed Crashbecken setzt der Bass ein, der zunächst auf den geraden Zählzeiten 1 und 3 spielt. Die Hi- Hat wirkt geschuffelt. Die Bassdrum entspricht einer typischen Elektro Nummer, etwa eine Mischung aus einer Tr 808 und Tr 909 von Roland. Der 4 on the Floor- Drumgroove ist sehr ausgeprägt. Die Snare spielt dabei jedoch nicht dsancetypisch auf den Zählzeiten 2 und der 4, sondern in 8teln und in Dreierkombinationen. Das Tempo wurde ein wenig angezogen. Die Struktur dieser Version wirkt deutlich klarer, aufgeräumter und minimaler.

Weiterhin wird der Mix durch ein E-Piano ergänzt. Auf dem sehr vordergründigen, präsenten und klarem Beat kommen dann die Vokals, die teilweise nur in Zusammenhang mit der Rhythmus Sektion gespielt werden. Aus dem Original hat Maas auch die hintergründige Hookline übernommen, die in dem Remix jedoch nicht mehr hinter Girtarren versteckt ist. Gitarren fehlen in der neuen Version gänzlich, und die Melodik ist zu großen Teilen sehr reduziert. Anstelle des pad- und. leadartigen Breitwandsounds kommt nun mehr die metallisch, perkussiv klingende Hookline durch.

Besonders auffallend ist das klassische Ravelead , dass sich trotz seines markanten Sounds gut in den Mix integriert.

Die in der Originalversion vorhandenen stackartoartigen Pads wurden nicht übernommen.

Timo Maas hat zudem Stereo und Phaser Effekte auf die Mainvokals im Refrain gesetzt, die für einen Takt stehen bleiben. Hier scheint sich der Track für einen Moment stark zu verändern, um dann doch in gewohnter Weise weiterzulaufen. Die Vokals wurden mit ordentlich Hall versehen. Die Intesität variiert jedoch. Die Backings sind „nasser“.

Auf den Vokals und der Snare ist auch ein Delay festzustellen. Der Track erzeugt Spannung und Neugier.

Durch den Remix wird aus der Synthie- Popnummer ein gelungener Dancerock-Track.

Timo Maas ist eine gute Verbindung zu den vorhandenen original Elementen des Songs gelungen. Zudem ist der Track eine perfekte Symbiose zwischen „Minimal Techno“ und Popmusik. Allgemein tendiert das Stück von dem Weichen weg, hin zum mystisch Härteren. Auch die einsetzenden Streicher verstärken diese Empfindung.

Vergleich beider Produzenten hinsichtlich ihres Erfolges

Beide Produzenten kennzeichnen sich durch ihre besonderen einzigartigen Stile aus. Matthew Herbert und Timo Maas sind musikalisch sehr offen. Sie haben sich nicht auf einen Bereich beschränkt, sondern produzieren weitestgehend genreübergreifend. Zu den weiteren Gemeinsamkeiten zählt neben den Produktionen ihre Tätigkeit als DJ.

Maas ist hier besonders im vereinigten Königreich erfolgreich. Seine Tournee zum Album „Loud“ setzte er als DJ um und wurde von seinen Künstlern begleitet, die die Sets mit Live- Elementen ergänzten. Maas musikalischer Bereich ist ein Mix aus Rock, Pop und Elektro.

Bereits mit dem Album ²Loud² repräsentiert Maas eine gewisse Weltoffenheit. Die Platte steht für neue Musik, für das neue Jahrtausend.

Seine Tracks sind in musikalischer sowie produktionstechnischer Hinsicht von höchster Qualität. Die Musik klingt nicht überfrachtet und ist sehr eingängig. Die Tracks weisen in der Regel gute Hooklines auf und sind durch passende Melodien und treibende Grooves gekennzeichnet. Dies ist Maas kennzeichnender Stil. Der Ausgangspunkt seines Erfolges stellt der Remix „Dooms Night“ für Azzido da Bass dar. Maas Name ist seit dieser Nummer bis in den Pop-Bereich vorgedrungen. Remix-Anfragen von Moby, über Moloko, und Depeche Mode unterstreichen dies. Die Remixe „Enjoy the Silence“ und „Personal Jesus“ gelten als, bis dato, wichtigste Referenz für Timo Maas. Mit dem „Enjoy the Silence“-Remix war Maas für den „Dance Music Award“ in der Kategorie „Bester Remix 2005“ nominiert, den er nur knapp verfehlte.

Originale Elmente dieses Werkes lassen sich auch heute noch hervorragend mit modernen Elementen remixen. Die Sounds lassen sich sehr gut mit den neuen Elementen von Timo Maas verbinden. Dies spricht dafür, dass Depeche Mode ebenfalls wie Timo Maas dem Stil ihrer Zeit voraus waren bzw. sind.

Mit seiner Musik setzt Timo Maas dem typischen deutschen „Schubladendenken“<!–[if !supportFootnotes]–>[9]<!–[endif]–> etwas entgegen. In Deutschland besitzt er jedoch genau aus diesem Grunde nicht den Ruf, den er im internationalen Raum genießt. Er ist für die deutsche Elektro-Szene zu popig und für den Popbereich anscheinend zu technoid. Jedoch liegen genau hier seine Stärken. In England hingegen kann ein DJ, Act oder Produzent gar nicht populistisch genug sein. In Deutschland wird Populismus mit Proletentum abgegolten. In England vergleichsweise wird Clubmusik als „Big Business“ betrachtet.

Richtige Anerkennung findet hierzulande nur der Untergrund. Dabei gibt es dafür gar keinen Grund, denn es wurde noch keine Schublade gezimmert, in die man Maas stecken könnte. Genau dafür wird er auch international geschätzt. Seine Produktionen zeichnen sich durch einen hohen Wiedererkennungswert aus. Sie sind zudem besonders gut tanzbar. Timo Maas hat hier seinen eigenen Stil entwickelt, der immer neue interessante Stücke entstehen lässt. Auch mit seinem zweiten Album ist er sehr erfolgreich. Die Hits „First Day“ und „Ur Ears“ erreichen Top Platzierungen in den weltweiten DJ-Charts. Timo Maas ist ein wahres Multitalent und steht für zukunftsweisende elektronische Musik. Kaum ein anderer Künstler versteht es so viele Musikgenres miteinander zu einer derartig groovigen Symbiose zu kombinieren.

Matthew Herbert möchte mit seiner Musik mindestens zwei Dinge erreichen. Zum einen nutzt er die Musik um so politisch agieren zu können. Herbert stellt gesellschaftliche und ökonomische Missverhältnisse auditiv dar und möchte so darauf aufmerksam machen.

Zum Anderen möchte er mit Musik auch etwas Positives erreichen: Musik soll Spaß machen, soll begeistern und etwas besonderes sein. Diese Besonderheit erreicht er, indem er beispielsweise aus „Müll“ Klänge und sogar Melodien hervorruft. Sein besonderes Merkmal ist seine Umgangsweise mit Fehlern und dem Zufall. Diesen sieht er als willkommene Abwechslung zu durchdachten Arrangements. Die so entstandenen Klänge faszinieren bei Ihm auf diese Weise so besonders. Trotz seines enormen Sample-Einsatzes der ungewöhnlichsten Klangquellen klingt seine Musik im Vergleich zu anderen Samplekünstlern wie die von „Autechre“ nicht so abstrakt. Sie ist melodischen Charakters und besitzt durchaus Hitpotential.

Im Jahr 2002 rief Matthew Herbert sein eigenes Label „Accidential“ ins Leben, auf dem er nun seine Alben veröffentlicht. Herbert beweist, dass sich anspruchsvolle Musik und Pop nicht ausschließen. Timo Maas verbindet viele Genres miteinander und produziert ein recht popiges Album. Der Erfolg von Herbert liegt in der Verbindung von Pop mit Abstraktion unter Einbeziehung vieler weiterer Elemente. Obwohl das Klangergebnis beider Produzenten recht unterschiedlich ist, liegt der Erfolg beider in der ständigen Bemühung, den musikalischen Horizont durch Neues zu erweitern.

Quellenangaben:

[Her 05] http://themechanicsofdestruction.com/

Matthew Herbert Exklusiv Interview: http://209.85.135.104/search?q=cache:S7kinGeZ2YIJ:www.matthewherbert.net/fiches_diverses/fiche_presse.php%3Fid_p%3D1%26lg%3Dan+matthew+herbert+debug&hl=de&ct=clnk&cd=8&gl=de&client=firefox-a

[Bio07] Biographie Herbert, http://www.laut.de/wortlaut/artists/h/herbert/biographie/index.htm

[Unb05] Unbekannter Interviewer, auf: http://ad.doubleclick.net/sdj/N4272.72339742/B2281937.7

[Ham01] „Madonna für Museumsgänger² In: Die Woche, 24. August, S. 39.

[Mat01] Matthew Herbert, „Mechanics of Destruction”, http://www.magicandaccident.com/MoD/index.htm

[Ama07] www.Amazon.de

[Int07] www.intro.de

[Sti02] Stitch: Timo Maas, ein einfacher Mensch, Intro Nr. 92, Februar 2002

[Bie05] Hannes Bieger, Matthew Herbert- Plat Du Jour, Keyboards, 10/05

[Int00] Holger In’t Veld: Bericht: Der politische Tanzlehrer, auf: http://www.spiegel.de/kultur/musik/0,1518,103578,00.html

[Böc02] Jörg Böckem: Meistermixer aus Bückeburg, auf: http://www.spiegel.de/kultur/musik/

[Dal05] Christoph Dallach: Raus aus der Enge, auf: http://www.spiegel.de/kultur/musik/

[Stü05] Tim Stüttgen, Bericht über Timo Maas, Keyboards, /05

[Lon] Markus Lonardoni, Popularmusiklehre, Pop, Rock, Jazz,Reclam, Stuttgard, 1996

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<!–[if !supportFootnotes]–>[1]<!–[endif]–> Bie 05

<!–[if !supportFootnotes]–>[2]<!–[endif]–> Bie 05

<!–[if !supportFootnotes]–>[3]<!–[endif]–> Int00

<!–[if !supportFootnotes]–>[4]<!–[endif]–> Bie 05

<!–[if !supportFootnotes]–>[5]<!–[endif]–> Bie 05

<!–[if !supportFootnotes]–>[6]<!–[endif]–> Stü 05

<!–[if !supportFootnotes]–>[7]<!–[endif]–> Zeitschrift Groove, Ausg. 107, 08 2007

<!–[if !supportFootnotes]–>[8]<!–[endif]–> Doubleclick.net interview, 2005

<!–[if !supportFootnotes]–>[9]<!–[endif]–> Amazon.de Interview 2005

http://www.youtube.com/watch?v=VvXK8itW2ss Scale K7 Interview

Matthew Herbert – Never Stops the Music

Timo Maas Videos:

Timo Maas Ibiza

Timo in Buenos Ires

Timo @ Glade Festival

Personal Jesus Remix