Dies ist eine Alternative zu den etablierten Netlabels, die zwar  Musik online im Internet vermarketen, dies jedoch fast ausschließlich kostenlos.

Wenn Du Deine Musik über Beatport und iTunes verkaufen willst, dann ist Ein Label wie Label2net wohl ganau die Richtige Plattform, um über Beatport und iTunes zu verkaufen.

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Man muss lediglich dem Java- Script zustimmen…

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Nur kurz mit der E-Mail bestätigen und mehrere identisch aufgenommene Fahrzeugmotoren hören.

Viel Spaß beim Klanggenuß der Motorsounds!!

Paraphrasieren: Die Musik unterstützt das Bild. Klassisches Beispiel: romantische Streicher zur Kussszene. Diese Technik der Filmmusik wird auch Mood-Technik genannt.

Polarisieren: Eine neutrale Szene wird durch Musik in eine bestimmte Stimmung gebracht. Beispiel: Ein Auto fährt durch die Landschaft, die Insassen sind aufgrund der Entfernung nicht zu erkennen. Besonders hier spielt die Musik eine entscheidende Rolle. Mit einem 007 James Bond Thema lassen sich die guten oder Bösen Agenten im Fahrzeug vermuten, bei einer sorglos fröhlichen  Melodie vermutet man in demselben Fahrzeug eher eine Familie, die zum Picknick oder Sonntagsausflug fährt fährt.

Kontrapunkt: Die Musik widerspricht dem Bild. Dies ist ein beliebtes Mittel für einen Krimi, indem sich der Liebhaber als Killer entpuppt. Schrille Musik zu einem romantischen Kuss kann auf einen Überfall hindeuten.  Oder der umgekehrte Fall: In einer unschönen Gegend tritt eine schöne Frau hervor- angekündigt von harmonischen Streichern.

Leitmotiv: Ordnen Sie bestimmten Personen oder Situationen kurze, eingängige Musik-Sequenzen zu. Diese Sound- Sequenzen oder musikalische Themen lassen sich in verschiedenen Varianten wiederholen und können so die augenblickliche Entwicklung stets klanglich darstellen.

Mickey Mousing: Mickey Mousing ist die musikalische Beschreibung von Bewegungen im Film. Beispiel: Jemand fällt die Treppe hinunter und man spielt dazu die komplette Klavirtastatur abwärts, oder das “BOING”, wenn sich jemand den Kopf eingehauen hat.

Trennen undVerbinden: Unterschiedliche Bilder können eine Szene Bilden, indem sie mit den gleichen Sounds und Musiken unterlegt werden. Genauso lassen sich durch unterschiedliche Musiken ähnliche Bilder erheblich semantisch trennen.

Viel Spaß beim Filmen, komponieren und Sound-designen!!

Homerecording-Unterricht: “Musik am Computer- Der Laptop als Instrument” (Cubase/ Nuendo & Ableton Live)  in Berlin, Hamburg und im nördlichen Ruhrgebiet:

Unterrichts-Konzept:

Der Unterricht ist modulartig aufgebaut. Nachdem ich mir einen Überblick von Deinen bisherigen Kenntnissen und deinen Lernzielen gemacht habe, kann es auch gleich losgehen. Wir erstellen einen Fahrplan, der genau Deinen Bedürfnissen entspricht und kommen Schritt für schritt auf das große Ziel: Dein eigener Sound, wie er Dir gefällt!!

Unterrichtsmodule:

1. Cubase, Nuendo, Wavelab & Ableton Live Basics
2. Arbeiten mit Midi
3. Arbeiten mit Audio
4. Effekte (Sound Design und Dynamikbearbeitung)
5. SoundDesign für Musik, Film, Hörspiel
6. Arrangieren (Schritt für schritt zum fertigen Track)
7. Vocals Recording
8. Mixdown einer Produktion in Cubase bzw. Nuendo oder Ableton Live
9. Mastering mit Cubase oder Wavelab
10. Surrounf in Cubase und Nuendo
11. gerne weitere individuelle Themen

Die Module können dabei so gestaltet werden, dass parralel ein Song von den ersten Anfängen mit Cubase/ Nuendo bis hin zum finalen Mixdown und Mastering entsteht .

Cubase/ Nuendo/ Ableton Live/ Homerecording Unterricht und Workshops von 1 bis 8 Teilnehmern  zum Thema Tontechnik, Cubase, Nuendo, ableton Live oder Mixing , Recording und Mastering.

Für wen ist der Homerecording – Tontechnik Unterricht bzw. Homercording Workshop geeignet?

• Computerbegeisterte, die angefangen haben, eigene Tracks zu basteln und mehr über musikalische Strukturen erfahren möchten.
• Instrumentalisten, die ihr musikalisches Können mit den Möglichkeiten einer virtuellen analog- digitalen Studioumgebung verbinden wollen.
• Musikinteressierte, die den Computer als Musikinstrument entdecken wollen, oder ganz einfach ihre musikalischen Kenntnisse erweitern und vertiefen möchten.

Kurzum für jeden, der zu Hause einen Computer hat und damit Musik machen möchte.

Zu mir (Hans-Gerd Hoyer):

• Intensive Ausbildungen an der SAE Berlin
  (Audio Engineer& Bachelor of Recording Arts)
• Tonmeister beim Fernsehen
• Sound Designer & Musiker
• Derzeit studiere ich Sound Studies
  (Master) an der UdK (Universität der Künste Berlin)
  

Tipp: Nach einer Schnupperstunde entscheidest Du, ob du Dich für mehr Input begeistern kannst. Wenn Du reif für den Nächsten Schritt bist, vereinbaren wir einen Termin.

Lass Dir helfen: Fern support und Hilfe Für Tontechnik homerecording Unterricht via Internet
Lass Dir helfen und über die Einstellungen schauen. Falls es mal mit der ein oder anderen Konfiguration nicht weitergeht oder Du eine Frage hast -  KEIN PROBLEM… Via Fernsupport schau ich kurz auf Deinen Rechner und schon kannst du Dich weiter und entspannt um den Kreativen Part von Cubase, Nuendo oder weiterer Audio-Software kümmern.

Zusätzliches zum Thema Homerecording neben Unterricht und Workshop:

• Top – Beratung und Hilfe bei individuellen Setups
  (Workstation, Audio-Software, Interface, Pre-amp, Monitore)
• Homerecording – Wissen (Recording (Mikrofonie etc.), Mischung, Mastering)
• Basics in Musik- & Harmonielehre
• Expertenwissen für Cubase, Nuendo und Wavelab (Steinberg)
• Unterrichtsvermittlung für weitere Programme (Pro Tools, Logic, etc.)
• Unterricht und Workshops in Tontechnik zur Vorbereitung und auch als Alternative zum SAE (Audio Engineer) Studium: Als Diplom und BA-Absolvent der SAE Berlin kann ich dir Beratung und viele Tipps rund um ein evtl. SAE Studium geben. Was die Vor- und Nachteile beim Studieren an der SAE sind usw. Schreibe gleich doch einfach ne mail

Frage nach einem individuellen Unterrichts-/ Workshopangebot und nach dem Preis:

Hier ist das spezielle Cubase Info-Formular – Hier klicken

Fon: 030 / 42017729[contact-form]

Bereits 1947 formulierte der britische Physiker Dennis Gabor seine Entdeckungen zur akustischen Quantisierung des menschlichen Hörens. Die Granularsynthese basiert damit auf der sog. Gabortransformation.[1]

Als erster Komponist bediente sich Iannis Xenakes dieser Technologie. Er betrachtete jegliche Klänge als eine Aneinanderreihung von akustischen Elementarteilchen, aus denen jeder Klang zusammengesetzt ist. Diesen Sachverhalt hielt auch Xenakes in einer theoretischen Abhandlung fest.[2] Diese Annahmen wurden in den 80er Jahren mathematisch belegt. 1000 bis 1500 auditive Elementarteilchen pro Minute lassen demnach einen kontinuierlich stufenlosen Klangeindruck wahrnehmbar werden.[3] Sämtliches akustisches Material kann als Aneinanderreihung minimaler Klangimpulse (zw. 1 & 10 ms Dauer) betrachtet werden, deren Zusammensetzung im zeitlichen Verlauf variiert.

Die Bestandteile eines Klangs durch eine Folge von akustischen Elementarien mit Übergangswahrscheinlichkeiten lässt sich gut an einem Streichinstrument veranschaulichen. Beim Streichen einer Saite mit dem Bogen wird diese ergriffen und solange gespannt, bis die Rückstellkräfte ausreichend groß geworden sind. Die Saite schnellt zurück und beginnt energetisch abnehmend hin und her zu schwingen, bis sie erneut von den Bogenhaaren erfasst und wieder gespannt wird. Dieser Prozess wiederholt sich während des Streichens stetig, wobei kontinuierlich unvorhersagbare Variationen auftreten. Gerade diese Abweichungen lassen einen Klang besonders lebendig erscheinen.[4]

Am Kölner-Studio für Elektronische Musik, an dem u.a. Karlheinz Stockhausen tätig war, wurden granulare Experimente auf Tonband durchgeführt. Hier ordnete man viele unterschiedliche Klangfragmente hintereinander auf Tape an.

Sobald beim Abspielen eine gewisse Geschwindigkeit erreicht wurde, waren diese Klänge mit deutlich gesteigerter Brillianz wahrnehmbar. Zudem verkürzten sich die Ein- und Ausschwingzeiten. Bei weiterer Erhöhung der Bandgeschwindigkeit ergaben sich aus den einzelnen Fragmenten gänzlich neue Klänge, die nicht mehr auf das ursprüngliche Material zurückgeführt werden konnten. Sie sind regelrecht zu einem neuen und einheitlich kontinuierlichem Sound verschmolzen.[5]

Ab Mitte der 70er Jahre forschte Curtis Roads an der Granularsynthese weiter. Bei ersten Untersuchungen mit dem Computer erwies sich die umfangreich anfallende Datenmenge als recht problematisch. Diese Datenmenge kam zustande, da neben der Erfassung der einzelnen Grains ebenso deren Hüllkurve und Amplitude gespeichert werden musste. Roads beobachtete die Auswirkungen von parametrischen Veränderungen der Wellenformen, Lautstärken und Frequenzen bei konstanter Dauer und Hüllkurven der Klangfragmente. Es stellte sich eine optimale Grainlänge von ca. 20ms heraus. Jedoch lieferten auch Zeiten von 10- 60 ms im Allgemeinen akzeptable Ergebnisse.

Im kompositorischen Bereich lassen sich mit der Granularsynthese neben unabhängigen Veränderungen der Dauer, Periode und Dichte weitere interessante Übergänge zwischen zwei Klängen gestalten. Sogar Zwischenstufen sind durch Interpolieren realisierbar.

Durch die Klangzerlegung können bei der Reproduktion die Anordnungen und Abspielgeschwindigkeiten so variiert werden, dass neue und einzigartige bzw. noch nie erreichte Klänge gehört werden können. In diesem Zusammenhang spricht man bei der Granularsynthese auch vom „Resyntheseverfahren“ (Resynthese durch Granularsynthese). Diese sind die häufigsten Granularanwendungen, die u.a. bei den Programmen Malstrom in Reason, Max/MSP von Cycling ‘74, Ableton Live und weiteren dieser Art zum Einsatz kommen.[6]

Das Grain

Ein Grain besteht aus einer Wellenform und einer einhüllenden Lautstärkekurve. Die Länge eines Grains beträgt zwischen 1 und 150 ms (Mikrozeitebene). Ein einzelnes Grain ist folglich vom Gehör kaum oder nur als ein Klick rezipierbar. Die Hörwahrnehmungsgrenze von Audioevents beginnt bei einer Dauer von etwa 3 ms.

Darunter ist ein einzelnes Grainereignis aufgrund der Trägheit des Gehörs quasi nicht hörbar. Mit zunehmender zeitlicher Länge wird dieses immer signifikanter durch das Ohr erkennbar. Unter einer Dauer von 50 ms können keine Aussage über die Periodizität getroffen werden. Demnach kann eine Tonhöhe nicht bestimmt werden.

Je höher das auditive Material in Grains aufgelöst wird (mehr Grains = geringere Dauer eines einzelnen Grains), umso rapider steigt der damit verbundene Rechenaufwand an. Es wird zunehmend schwerer, die daraus resultierend größer werdende Anzahl einzelner Grains, unter Berücksichtigung des erwünschten Klangergebnisses zu kontrollieren. Daher bedient man sich gerne der Clouds (deutsch: Wolken).

Diese ermöglichen hierbei eine musikalischere Herangehensweise. Mehrere Parameter können somit bei einem Regelungsvorgang zusammengefasst und berücksichtigt werden. Da jedes Grain, wie bereits erwähnt, eine eigene Wellenform mit definierter Frequenz und Amplitude besitzt, kann es bei der Anordnung der Grains zu Störgeräuschen kommen.

Zu beachten ist weiterhin, dass die Phasenlage von einem zum darauf folgenden Grain mehr oder weniger stark ausgeprägte Differenzen aufweisen kann. Aus diesem Grund werden Überlappungen an den Randbereichen der Hüllkurven einzelner Grains durchgeführt.

Die Parameter eines Grains sind:

• Die Länge der Hüllkurve
• Die Form der Wellenform
• Die Form der Hüllkurve
• Die Abspielgeschwindigkeit der Wellenform
• Die Frequenz der Wellenform

Weiterhin lässt sich die Anzahl der Abspielwiederholungen und die Wiedergabeanordnung der Grains (dauer) variieren.

Um bei der Resynthese durch Granularsynthese Artefakte zu vermeiden, und um die Phasengenauigkeit der Grains beizubehalten, muss die Grundschwingung möglichst exakt erfasst werden. Diese Analyse wird umso schwieriger, je polymorpher und rauschanteiliger, also je komplexer, ein Signal ist. Zur Durchführung der Granularsynthese gibt es unterschiedliche Verfahren. Die wesentlichen Differenzen bestehen in der Bildung der einzelnen Grains und der Neuanordnung bei der Reproduktion bzw. Resynthese. Die wichtigsten Methoden werden im Folgenden dargestellt.

Synchrone Granularsynthese

Bei der Synchronen Granularsynthese wird mittels mehrerer Oszillatoren und Hüllkurven ein Grainstrom erzeugt. Die Graindichte beschreibt die Ausgabe der Oszillatoren in „Grains pro Sekunde“ (gps). Unterhalb einer Dichte von 20 Grains pro Sekunde ist nur ein metrischer Rhythmus wahrnehmbar.[8] Wird die Graindichte auf über 20 Grains in der Sekunde erhöht, können wir einen kontinuierlichen Klang hören, der sich durch einen Grundton und erkennbare Obertönen zusammensetzt. Sogar Formantregionen werden dadurch erkennbar.[9]

Die Abbildung 9 stellt den Einfluss der Graindichte auf die Tonhöhe dar. Die resultierende Tonhöhe eines Grainstromes ist von der Interaktion zwischen drei Hauptperioden abhängig.

Zum Einen von der Frequenz der Wellenform innerhalb des Grains. Ebenso ist die zur Grainhüllkurve zuordbare Frequenz (Grainlänge) hierfür bedeutsam. Zum Anderen durch die Periode, die der Graindichte bzw. Grainrate eines Grain-Stromes entspricht.

Allgemein kann gesagt werden, dass die Grundtonhöhe durch die längste Periode dieser drei Hauptperioden bestimmt wird. Durch eine Veränderung der Verhältnisse dieser aufgeführten Parameter zueinander kann die resultierende Tonhöhe des Klanges nach oben oder nach unten verschoben werden. Eine Verdopplung der Grainrate entspricht hierbei einer Erhöhung um eine Oktave.

Quasi-Synchrone-Granularsynthese

Die Quasi Synchrone Granularsynthese ähnelt prinzipiell der Synchronen. Der wesentliche Unterschied liegt hier in der Art der Anordnung einzelner Grains. Sie werden nicht mehr starr wiedergegeben. Der Abstand der „Körner“ wird mittels eines Zufallsgenerators bestimmt. Wird der Faktor für unregelmäßige Anordnung jedoch zu groß gewählt, so können sich einzelne Grains überschneiden. Das Klangereignis ist in diesem Fall der Asynchronen Synthese ähnlich, die im Folgenden beschrieben wird.[11]

Asynchrone-Granularsynthese

Bei der Asynchronen Granularsynthese ist die Anordnung der einzelnen Grains nicht mehr linear. Mehrere Körner werden gleichzeitig oder stückweise überlagert wiedergegeben. Sie werden innerhalb einer sog. Wolke (Cloud) zusammengefasst. Die zeitliche Anordnung wird durch Zufallsalgorithmen bestimmt. Das Ausgangsmaterial wird hier total zerlegt. Für die Synthese an sich kann Ausgangsmaterial verwendet werden, jedoch klingt dieses sehr verfremdet. Alternativ können Frequenzen beliebiger Art für die Grains gewählt werden, die nicht vorher aufgenommen werden müssen. Hier ist dann die reine Granularsynthese gemeint.

Die Art der Hüllkurve führt zu Amplitudenmodulationen. Diese bewirkt das Auftreten von Seitenbändern, welche im Intervall der Hüllkurvenperiode vorkommen. Die mittlere Frequenz der Amplitudenmodulation lässt sich errechnen, indem der Faktor Eins durch die Länge der Grains in Sekunden dividiert wird.

Die so entstehenden Seitenbänder werden bei längeren Grainzeiten zunehmend schmaler.[12] Die Anzahl der Grains sowie deren strukturelle Anordnung und Beschaffenheit innerhalb einer Wolke haben einen maßgeblichen Einfluss auf den resultierenden Klang. Der Füllfaktor definiert, wieviel Grains mit einer bestimmten zeitlichen Dauer innerhalb dieser „Clouds“ strukturiert sind. Dieser lässt sich aus dem Produkt von Grains pro Sekunde mit definierter Dauer in Sekunden errechnen. 20 Grains in einem Wolkenereignis von einer Sekunde bei einer Grainlänge von 0,1 Sekunden ergeben einen entsprechenden Füllfaktor von 1. Bei einem Faktor größer als Eins ist diese Wolke bereits als ein kontinuierlich und tonal klingender Ton hörbar.

Die Signalbearbeitung erfolgt je nach Ausgangsmaterial in zwei möglichen Spektren. Handelt es sich um ein monophonen Klang, so wird dieser im sog. Kumulusspektrum bearbeitet. Dies ist ein Frequenzband, welches über die Dauer einer Wolke verändert bzw. moduliert werden kann. Polyphone Klänge, wie z.B. Akkorde, werden im Stratusspektrum erfasst. Dieses besteht aus mehreren Frequenzbändern.[13]

Ableton Live basiert auf der Granularsynthese, weil diese weniger rechenintensiv ist als bspw. FFT- oder Waveletverfahren (Vgl. Granularsynthese). Somit erweist sich die Granularsynthese als livetauglich, wie es bereits der Programmname erahnen lässt. Hier ist die Echtzeitfähigkeit von diversen Audiomanipulationen begründet. Bei den anderen, in dieser Arbeit vorgestellten, Verfahren sind die Artefakttoleranzen zwar wesentlich höher, jedoch wird meist ein separates „Rendering“ für die Umsetzung benötigt. Dies geht auf Kosten der intuitiven Bedienbarkeit.

Das Spezialgebiet von Live ist die zeitliche Anpassung. Ein Loop kann problemlos mit Material anderen Tempos gemischt werden. Jede Zählzeit kann mit den Warpmarkern gedehnt bzw. gestaucht, also an die gewünschte Stelle verschoben werden. Somit lassen sich Timingschwankungen und groove Akzente gezielt bearbeiten und anpassen. Dies geschieht mittels „granularem Timestretching“. Die analysierten Grains werden entweder mehrfach hintereinander angeordnet (Streckung) oder es werden vereinzelte Grains ausgelassen (Stauchung). Die algorithmische Manipulationsfähigkeit lässt sich innerhalb eines gewissen Bereichs ohne wahrnehmbare Verfremdung durch Artefakte realisieren. Diese reicht bei komplexem Material in Abletons Software bis etwa 14 %[1]. Erst dann treten deutliche Artefakte hervor, welche sich weiterhin im kreativen Sinne als Effekt einsetzen lassen.

Bei vielen cluborientierten Produktionen sind häufig artefakthaltige Melodielinien wahrnehmbar. Diese sind leicht zu erzeugen und entstehen beispielsweise, wenn man einen Klangbereich zu sehr in seinem zeitlichen Verlauf dehnt und darüberhinaus stark pitcht.

Je nach Art des Materials können in Ableton zur Qualitätsmaximierung folgende spezialisierte Algorithmen für

l rhythmisches

l flächiges

l mono- oder

l polyphones Material

angewandt werden.[2]

Dafür gibt es folgende Makros:

Beats:

Dieser Modus ist für rhythmisches, transientenreiches Material geeignet. Zur besseren Erfassung und Quantisierung der einzelnen Zählzeiten läst sich vorab das Raster von einem ganzen Takt bis zu einer Stufe von 1/32 in Schritten des Faktors 2 wählen.

Tones:

Diese Einstellung erweist sich bei tonal, monophonem Material als besonders geeignet. Dabei ist die Größe der Grainhüllkurven bzw. Fensterfunktionen mit dem Parameter „Grain Size“ zwischen einem Wert von 12 bis 100 ms stufenlos einstellbar.

Texture:

Dieses Makro ist speziell für die Bearbeitung komplexer polyphoner Klänge konzipiert. Zu dem höher auflösbaren „Grain Size“ Parameter, hier im Bereich von 2 bis 263, kommt der Parameter „Flux“. Dieser Regler des Texture-Algorithmus führt je nach Einstellungsgrad zu gewissen Ungenauigkeiten in der Auslesung der Grains. Dabei handelt es sich um zufällige Variationen der Graingröße. Dieser ist ein wenig vergleichbar mit dem Spray-Parameter des Granular-Delays aus dem Programm „Mulch’s DLGranulator“.

Re-Pitch und Complex:

Bei diesen beiden Modi lassen sich keine weiteren Parameter einstellen. Wie die Namen schon vermuten lassen, erweisen sich diese Makros vor allem zum Re-Pitchen bzw. zum Bearbeiten von komplexem Material.

Die Änderung der Tonhöhe ist in Ableton bei konstanter zeitlicher Dauer ohne weiteres möglich. Die detaillierte Tonhöhenänderungsfähigkeit scheint hier nur zweitrangig zu sein. Sollen z.B. einzelne Vokal-Passagen korrigiert werden, so muss der zu korrigierende Bereich erst als eigenständiger „Clip“ separiert werden. Die Tonhöhenbearbeitung bezieht sich immer auf den ganzen Clip. Im Gegensatz dazu lässt sich bei der Tempomanipulation jeder einzelne Schlag unabhängig von den anderen im Clip befindlichen verändern. Für die Korrektur einzelner falscher Noten wäre eine Software, wie bspw. Melodyne, besser geeignet. Diese Software analysiert das eingegebene Material und ordnet jeden Klang bzw. jeden musikalischen Ton, bspw. einer Melodielinie, auf einer Notenlinie an. Somit liegen die Klänge in diesem Editor vor und können gesichtet bzw. korrigiert werden. Man kann mit Klängen in ähnlicher Weise flexibel umgehen, wie mit Mididaten.

Nachdem ich das Plug in Absynth ausführlich getestet habe, werde ich mich als nächstes dem FM 8 Widmen. Ihr dürft bereits gespannt sein, auf die Sounds und die Ergebnisse meiner Recherche. Ich selbst bin gespannt, welche Sounds sich dem Plug in FM8, dem nachfolger des legendären FM7, entzücken lassen. FM 8 sounds like…

Der Weg zum Plattenvertrag

Wird man nicht durch Zufall von einem A&R entdeckt und bekommt einen Plattenvertrag, so muss man sich bei Plattenlabels (Major Label, Indies und Netlabels) direkt mit einer Bewerbungsmappe bewerben. Bei der Suche nach einem geeigneten Label können die Gelben Seiten oder aber auch das Internet sehr hilfreich sein. Am Ende dieses Artikels habe ich eine Reihe von Kontakt links zu ausgewählten Labels zusammengestellt. Viele Plattenfirmen unterhalten eigene Abteilungen für die Suche nach Nachwuchskünstlern, die sogenannten A&R (Artist & Repertoire oder Artist & Relation). Jedoch wird das Geld für die Suche und den Aufbau von Nachwuchskünstlern immer knapper. Die Gesamte Musikbranche kämpft mit Absatzschwierigkeiten. Die Platte ist zunehmend zum Merchandising Artikel mutiert.

• Wenn Michael Schumacher ein Lied aufnimmt, so kann dies funktionieren. Aber: Michael S. ist kein Künstler und er hat auch nicht wirklich etwas zu sagen. Das Ergebnis (die Platte) ist keine Kunst, sondern reines Merchandising.
• Jeder Künstler braucht eine feste Identität. Je weniger Variablen diese hat, desto besser. Dafür kann ein gutes Management sehr hilfreich sein.

Actaufbau und der Weg zu einem Plattenvertrag

Die besten Promoter sind bereits im Publikum:Wenn wir einen lustigen Link eines Youtube Videos bekommen, und wir das so toll finden, dass wir diesen Link gleich an Freunde weiterschicken, dann ist dies das Gleiche Prinzip, was sich jede Band bzw. jeder Act oder Dj zu Nutze machen kann. Daher sind auch kleinere Gigs in Clubs sehr hilfreich. Selbst, wenn nur 10 Zuschauer das Ganze Publikum ausmachen. Schafft man es, diese zehn Zuschauer für sich zu gewinnen, dann hat man seine ersten und wichtigsten Promoter, die auch noch aus wahrer Überzeugung agieren. Sehr wichtig ist zudem die Kommuni

kation mit dem Publikum. Am besten nach dem Gig nicht im VIP Raum verschwinden, sondern präsent sein. Fragen, was gut war und welcher Song/ Track am meisten gefallen und gerockt hat. So wird einem das eigene Kapital bewusst. Ist es nur der Frontmann, der die Frauen zum kreischen bringt… dann ist der Frontmann das Kapital der Band und zugleich der ausschlaggebende Aspekt, um einen Plattendeal zu bekommen. Sogar dann, wenn die Band schlechte Songs spielt. Nochmal: Es ist ganz wichtig, dass die Band nach dem Gig mit den Zuschauern redet. Hier können dann auch gleich Flyer oder Visitenkarten mit der Homepage- oder myspace- Adresse verteilt werden. Vielleicht werdet Ihr hier ja auch schon einige CDs los. Backstreet Boys haben beim ersten Gig vor 15 Kindern gespielt. Sie waren trotzdem unglaublich professionell. Sie haben gerockt als ob die Hütte voll wäre. Das ist professionell. Diesen 15 Leuten haben sie ihren ganzen Respekt gezollt. Diese 15 respektvoll behandelten Leute waren demnach auch die besten Promoter. Jeder Fan ist einer!! Dieses kontinuierlich professionelle Vorgehen hat dann zu einem Plattenvertrag geführt. Coaching

• Die Leute erwarten eine Show. Wenn ich den Leuten das Gefühl gebe, dass das Publikum cooler ist als die Band, dann habe ich ein Problem.
• Die Band muss auch mal gefilmt werden, was dann analysiert wird. Wie im Fußball.
• Es gibt Sänger, die können nicht singen, sind aber tierisch erfolgreich. Sie treffen nicht die Töne, aber sie bringen die Emotionen rüber.
• Man muss erkennen, ob der Frontman es „drauf“ hat.
• Songauswahl: auch wichtig. Darum braucht eine Band einen Manager, der erkennt, was verbessert werden kann.

Die Zielgruppe

• Man muss seine Zielgruppe genau kennen. Man schafft es nicht, das Rad neu zu erfinden. Die Fangemeinde ist so eingeschweißt auf einen gewissen Sound der Bassdrum etc, dass sie genau diesen Sound auch wollen und erwarten.
• Nach dem Gig ohne Alkohol runter, mit den Leuten reden, welcher der stärkste Song ist. Ein paar Fotos schießen. E-Mails sammeln, dann den Leuten nach dem Konzert eine E-Mail schicken mit Fotos, wie sie mit den Leuten reden. Dann einen Link zur Homepage dazu. Und so weiter, wie schon bereits erwähnt.

Ohne Selbstmarketing im Musikbusiness, kein Schallplattenvertrag

• Ist wichtig. Jeder einzelne Kontakt ist wichtig. Habe ich schon ein paar Handynummern von meinen Fans, so kann ich jedem eine SMS schicken.
• Man muss die Leute synchronisieren, um in die Charts zu kommen.

Für ein Album braucht eine Band 50 Songs.

• Man braucht mindestens 14- 16 Songs, also sollte man schon mindestens 30 Songs zur Auswahl haben. Wenn eine Band erfolgreich wird, haben die Ihre besten Songs verbraten. Kommt die Band von einer Tournee, dann fehlen Songs. Wann sollen die geschrieben werden? Daher sind vor einem Album 50 Songs sinnvoll. So kann man nachschieben.
• Lemmon tree- Die Nummer war super, aber leider ist nichts mehr nachgekommen.

Die Bewerbung bei einem Label Auch hier gilt: Weniger ist mehr. Es macht wenig Sinn, 100 Songs mit der Band aufzunehmen. Ein einziger reicht, und der muss von Anfang an überzeugen. Wenn der richtig geil abrockt, wird der Veranstalter, der Promoter oder wer auch immer sagen: gib mir mehr davon.

• Am Intro entscheidet der Zuhörer oder aber auch der A&R, ob der Track gut ist. Also: Das Intro muss neugierig machen. Die ersten 10 Sekunden eines Songs machen alles aus. Wenn man einen Veranstalter oder sonst wen überzeugen möchte, muss die Energie nach Vorne. Wenn wir selber oder unser Umfeld nicht vom Song überzeugt sind, dann bringt es nichts, diesen Track im Studio aufzunehmen. Vorher natürlich mit freunden oder der Freundin durchhören, welcher dieser eine Song sein soll.

• Hier helfen auch wieder kleinere Auftritte weiter. Beim Publikum merkt man sehr gut, welcher Song der Joker ist. Wir müssen unsere Kraft in den einen Song stecken, diesen aufnehmen und in einer Bewerbungsmappe an die Labels schicken. Viel Glück

• Ein Rundfunkpromoter kan Türen Öffnen. Das Radio ist nach wie vor immens wichtig.Der Rundfunkpromoter verfügt über ausreichend Kontakte zu Radiostationen. Eine gute Adresse sind auch Musikredakteure des SWF3.

Die Belohnung: Der erste Plattenvertrag.

Gute Kontakte zu Plattenfirmen, Labels & A&R´s sind wichtig, um einen Plattenvertrag zu bekommen.

• www.bellaphon.de
• www.bmg-company.de
• www.capitol-music.de
• www.deltamusic.de
• www.eastwest.de
• www.emi-catalogue-marketing.de
• www.fourmusic.com
• www.motor.de
• www.mute.com
• www.3-p.de
• www.polydor.de
• www.sonymusic.de
• www.universal-music.de
• www.v2music.com
• www.virgin.de
• www.wea.de
• www.zomba.de

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Letzte Frage zum Plattenvertrag und dem musikalischen Erfolg: Was will ich eigentlich?

Eine gute Frage!! Denn auch in der Musikbranche befinden wir uns in einem Käufermarkt. Das Angebot an Musik übersteigt die Nachfrage bei weitem und zudem werden die musikalischen Geschmäcker zunehmend differenzierter. Zu Zeiten der Beatles sah es da vergleichsweise noch ganz anders aus. Heutzutage gibt es im Gegensatz zu früher immer mehr musikalische subkulturen und Splittergruppen. Also: Nicht nur das angebot wird größer, sondern durch die vielen unterschiedlichen Musikgenres wird die Zielgruppe auch immer kleiner. Von dem Online-Vertriebsdesater mal ganz zu schweigen! Für den Musiker heißt das: Entweder – oder…!! Entweder ist er sich dessen bewusst und produziert Produkte für den Markt oder er möchte sich selbst zum Ausdruck bringen, dann muss er jedoch nicht unbedingt damit rechnen, das das daraus resultierende Produkt, sein persönlicher Sound, auf eine große Nachfrage stößt. Dieser Aspekt ist auch immer eine Frage des verfügbaren Geldes. Kann man es sich leisten, nur deneigenen Soaund zu produzieren? Natürlich schwingt meiner Meinung nach die Persönlichkeit eines Musikers immer und grundsätzlich mit. Ganz egal, ob es sich dabei um einen gecoverten, fremdproduzierten oder was auch immer  für ein Song handelt. Nur ist es nicht unbedingt sein innerstes, was man damit ausdrückt!! Ich denke, die Mischung macht es und erfolg ist bei weitem nicht alles. Jedoch zählt auch hier die eigene Erfahrung am meisten. Viel Spaß beim Produzieren.

Tipp: Wenn man ein Superstar aka DSDS, – deutschland sucht den Superstar, werden will und vor Dieter Bohlen und dem Rest der Welt als Superstar Standhalten bzw. sein Publikum begheistern will, dann ist es vielleicht viel wichtiger, einen unbedingten Willen zu haben, als Super singen zu können…

2007 war die Popkomm jedenfalls wieder sehr informativ und stimulierend. Das Highlight war ein durchgeknallter Japaner auf Promotion Tour. Sebastian Grüter von Unlimited Sound interviewt DJ Uto.

Viel Spaß beim gucken!!

popkomm07 Interview Japanischer Trance Künstler mit Sebastian Grüter von Unlimited Sound